NVIDIA Studio (vs. Game Ready)

NVIDIA Studio (vs. Game Ready)

Tym razem krótko, ale konkretnie. Zarówno konkurencja na rynku oprogramowania, jak i coraz wyższe oczekiwania samych twórców sprawiają, że aktualizacje aplikacji z których korzystamy stały się niemal codziennością. I z jednej strony z reguły przynoszą one nowe funkcje, lub przynajmniej poprawę stabilności, z drugiej jednak wymagają coraz lepszego sprzętu w postaci szybszych procesorów, bardziej wydajnych kart graficznych, większej ilości RAM’u oraz najnowszych sterowników. Trudno za tym nadążyć. Dodam tylko, że osobiście jestem użytkownikiem kart NVIDIA i kiedy po raz kolejny na jednym czy drugim forum internetowym natknąłem się na opisywane problemy użytkowników, których rozwiązanie było w istocie rzeczy całkiem proste, postanowiłem o tym napisać. Ale po kolei…

NVIDIA GAME READY

Obecnie ktoś, kto poszukuje mocnej stacji roboczej czy laptopa do pracy kreatywnej w fotografii, filmie, grafice czy jakiejkolwiek innej dziedzinie jest praktycznie skazany na ofertę skierowaną dla… graczy. Pół biedy jeśli sam również gra, ale jeśli nie, to niekoniecznie jest zwolennikiem świecących wielokolorowych lampek rgb i innych dodatków. Prawda jest jednak taka, że to właśnie gracze są główną siła nabywczą, nie dziwi więc, że standardowym sterownikiem kart graficznych NVIDIA jest “Game Ready”. Okazuje się, że jest jednak alternatywa, ponieważ niejako w odpowiedzi na oczekiwania twórców, jakiś czasu temu NVIDIA przedstawiła projekt “NVIDIA Studio”. Co to takiego?

NVIDIA STUDIO

Można określić, że to swego rodzaju platforma, która ma coś do zaoferowania zarówno w sferze “hardware”, jak i “software”. Przyznam szczerze, że ta pierwsza jest dla mnie delikatnie naciągana, no powiedzmy bardziej marketingowa. Otóż NVIDIA promuje linię produktów, które charakteryzują się dosyć mocną specyfikacją, jak np. karta GeForce RTX 2060, TITAN RTX, Quadro RTX lub wyższa, procesor Intel Core i7 (lub odpowiednik) lub wyższy, minimalna pamięć RAM 16 GB, dysk SSD min. 512 GB oraz sterownik w wersji Studio. Takie urządzenia, zarówno stacje robocze, jak i laptopy są oznaczone specjalną naklejką “NVIDIA Studio” i mają zapewnić potencjalnemu użytkownikowi łatwiejszą decyzję przed zakupem, oraz radość użytkowania po. Jednak, wydaje mi się, że nawet przy niewielkiej wiedzy samemu można wybrać laptopa czy skompletować stację roboczą bez owej naklejki, otrzymując sprzęt idealnie skrojony pod własne potrzeby, a jednocześnie często również tańszy.

Ta druga sfera software’owa jest dla mnie dużo bardziej przekonująca. Już o tym wspomniałem, ale podkreślam jeszcze raz; jeśli używamy komputera do pracy kreatywnej zdecydowanie lepiej używać sterownika, który jest zaprojektowany właśnie do takich celów, jakim jest NVIDIA Studio. Przed tym wpisem sprawdzałem jeszcze różne testy porównawcze wersji Studio i Game Ready, i co prawda w samej wydajności ta różnica na korzyść Studio nie jest jakaś znacząca, to najważniejsze co zyskamy to stabilność! Nvidia współpracuje z wydawcami takich programów jak Adobe Lightroom, Photoshop, After Effects czy Premiere Pro, DaVinci Resolve, Autodesk, Blender, OBS i wielu innych. Dla przykładu ostatnio Blackmagic Design wydał oficjalną wersję DaVinci Resolve 17, a już dzień później do pobrania była najnowsza wersja sterownika Studio z istotnymi dla niej poprawkami.

A więc ze strony NVIDIA Studio można pobrać najnowsze sterowniki, ale to nie wszystko. Zdecydowanie polecam instalację programu NVIDIA Experience, dzięki któremu na bieżąco będziemy informowani o możliwości aktualizacji! Dodatkowo, istnieje tam opcja szybkiego przełączenia się do sterownika Game Ready i z powrotem, więc będąc zarówno twórcą, jak i graczem można bezproblemowo korzystać z obu dedykowanych sterowników. W NVIDIA Studio znajdziecie ponadto jeszcze inne aplikacje, takie jak NVIDIA Broadcast App, NVIDIA Omniverse czy Eksporter Narzędzi Tekstur NVIDIA.

PODSUMOWANIE

Podzespołów komputerowych nie zmieniamy na co dzień, to zresztą wiąże się z niemałymi kosztami, nie mówiąc już o tym, że w ostatnim czasie dostępność większości podzespołów jest co najmniej problematyczna. Ale warto zadbać o aktualność wszystkich sterowników, to nic nie kosztuje a często jest rozwiązaniem problemów, na które napotykamy!

PS. W przypadku procesorów Intel polecam program Intel Drive & Support Assistant, który również na bieżąco sprawdza, informuje i pomaga w aktualizacji sterowników Intela.


Praktyczne aspekty pracy z S-Logiem

Praktyczne aspekty pracy z S-Logiem

Co sprawia, że niektóre filmy robią zdecydowanie większe wrażenie niż inne? Oczywiście może to być poziom gry aktorskiej, czy efekty specjalne, ale najczęściej dzieje się tak, ponieważ wyróżnia je ten wyjątkowy wygląd, który można scharakteryzować określeniem „filmowy look”. Trzeba sobie jednak zdawać sprawę, że najczęściej jest on efektem pracy całej ekipy uzdolnionych osób, które z reguły mają również do dyspozycji spory budżet rozdysponowany m. in. na starannie dobrane lokalizacje, drogie zestawy kamer i obiektywów, odpowiednie oświetlenie, udźwiękowienie, czy wreszcie wiele godzin pracy w postprodukcji. Co zatem zrobić, kiedy często trzeba działać nawet i w pojedynkę, a budżet też nieporównywalnie mniejszy? To banał, ale kreatywnie i świadomie wykorzystując wszystkie dostępne zasoby, można również uzyskać naprawdę zaskakująco dobre efekty! 

SPRZĘT

Najbardziej chyba oczywistym zasobem, bez którego nie można się obyć, jest sprzęt do filmowania. W jego przypadku jednak ilość istotnych kwestii technicznych, z którymi warto się zaznajomić jest tak wielka, że niektórych może wręcz przytłaczać. Zatem, poza obiektywami i filtrami mam tu na myśli choćby balans bieli, ilość klatek na sekundę, przesłonę, czas naświetlania, wartość ISO, kodeki czy… profile wykorzystujące zapis w tzw. „logach”. W zależności od producenta już nawet w kamerach i aparatach z niższej półki cenowej natkniemy się na V-Logi, C-Logi, D-Logi czy jak w przypadku Sony – S-logi. Czym zatem one są?

KOREKCJA GAMMA

Te logi, to nic innego jak krzywe logarytmiczne gamma. Zagłębiając się trochę w teorię wyjaśnię, że gamma, inaczej korekcja gamma jest algorytmem przetwarzania, właściwie kodowania i dekodowania luminancji na urządzeniach cyfrowych. Bez korekcji gamma (funkcja liniowa – prosta) zbyt duża ilość bitów przeznaczana byłaby na jasne partie obrazu, czego ludzkie oko i tak by nie zauważyło, natomiast zbyt mała ilość bitów na partie ciemne, na które z kolei człowiek jest dużo mocniej wyczulony. Stąd potrzeba zastosowania korekcji (krzywa); najczęściej stosowaną jest gamma 2.2 (znajdziemy ją w większości monitorów SRGB). Nieco ciemniejsza gamma 2.4 to natomiast wybór filmowców poruszających się w przestrzeni Rec. 709. 

Źródło: www.helpguide.sony.net

Po co zatem stosować korekcje aż tak mocno ingerencyjne jak logarytmiczne? Strona internetowa Sony pisząc o swoim S-Logu podaje, że „… jest to krzywa gamma o szerokim zakresie dynamiki zoptymalizowana pod kątem przyszłej gradacji w trakcie procesu postprodukcji”. A zatem ich użycie może zapewnić uzyskanie maksymalnej dla danego sprzętu rozpiętości tonalnej (różnicy pomiędzy najjaśniejszym a najciemniejszym punktem obrazu, w którym są zapisane dane). To coś, czego wszyscy pożądamy w dążeniu do odwzorowania doskonałości ludzkiego oka. OK, ale czy są wobec tego jakieś minusy używania logów? No cóż, trzeba wziąć pod uwagę, że w tym przypadku praca operatora wymaga nieco więcej wiedzy i doświadczenia niż zwykle, a i sam obraz bez odpowiedniej korekcji wygląda po prostu nieciekawie. Natomiast, przy prawidłowo zarejestrowanym materiale kolorysta ma dużo większe pole do popisu niż przy użyciu innych, mniej inwazyjnych profili. 

PROFILE LOGARYTMICZNE

A zatem parę słów o profilach. W kamerach czy aparatach filmujących Sony, jak na przykład z serii Alpha, do wyboru są różnego rodzaju predefiniowane profile (np. PP1, PP2, itd). W każdym z nich z kolei są zachowane konkretne ustawienia, m. in. dotyczące wyboru gammy, gamutu (przestrzeń kolorystyczna) czy poziomu wyostrzania. Profile te oczywiście można indywidualnie zmieniać i dopasowywać do swoich preferencji. W przypadku profili logarytmicznych jako gammę należy wybrać S-Log2 bądź S-Log3 (wg. Sony różnią się sposobem interpretacji kolorów) oraz jako gamut – S-Gamut, S-Gamut3 lub S-Gamut3.cine (gamut “cine” jest delikatnie mniejszy, ale wciąż większy niż Rec. 709). Myślę, że dosyć istotne, zwłaszcza przy rozdzielczości 4K jest również ustawienie poziomu wyostrzania na minimalną wartość, w przeciwnym razie przy gorszych warunkach oświetleniowych może zwiększyć się ilość powstałego szumu (zdecydowanie lepiej wyostrzyć już na etapie postprodukcji). Polecam również wypróbowanie ustawień, które nierzadko są publikowane przez różnych twórców korzystających z tego samego, bądź podobnego sprzętu. Dla przykładu w A7SIII używam ustawień zaimportowanych od Philipa Bloom’a, znanego brytyjskiego autora zdjęć telewizyjnych, youtubera i ambasadora Sony. Ten profil oparty jest na gamucie S-Log3.cine oraz gammie S-Log3. Więcej o profilach na poniższym filmie, natomiast link do pliku z ustawieniami dla A7SIII znajduje się w jego opisie. 

EKSPOZYCJA W S-LOG3

Każdą gammę charakteryzują przynajmniej dwie podstawowe wartości, które warto znać; są to wartość IRE (jasność) dla szarej karty 18% (odbija 18% padającego światła), przy której ekspozycja powinna być właściwa oraz wartość IRE, przy której nastąpi przepalenie obrazu. Dla S-Log3 wartości te wynoszą odpowiednio 41% oraz 94% (warto zapoznać się z pełną tabelą Sony zawierającą dane również dla S-Log2, Cine czy HLG). A więc teoretycznie powinniśmy ustawić ekspozycję na wartość 41% zmierzoną na szarej karcie oraz praktycznie wziąć pod uwagę, że wszystko o wartości powyżej 94% będzie już za jasne (nie zostanie nic zarejestrowane). Jak zatem zmierzyć tą wartość?

Najbardziej tradycyjna metoda to użycie zewnętrznego światłomierza… ale, są oczywiście też inne znacznie wygodniejsze, jak na przykład oparte na wbudowanym w nasz sprzęt światłomierzu funkcje False Colors czy Zebra. Zwłaszcza ta druga powinna być dostępna w zdecydowanej większości aparatów. Nie wdając się w szczegóły, pozwala ona na wyświetlanie charakterystycznych pasów (stąd nazwa) na części obrazu, który odpowiada ustawionym wartościom jasności dla konkretnego zakresu, czy powyżej dolnego limitu. 

A zatem wartość 41% powinna oznaczać prawidłową ekspozycję… Okazuje się jednak, że skorzystanie z metody zwanej ETTR (z ang. expose to the right) pozwala osiągnąć jeszcze lepsze rezultaty! W skrócie zakłada ona ustawienie ekspozycji odpowiednio wyżej, ale tak, aby nie prześwietlić obrazu. W przypadku S-Log3 przyjmuje się, że zamiast 41% IRE na szarej karcie, wartość ta powinna wynosić ok. 55%. Dzięki temu można nie tylko zarejestrować obraz z maksymalną rozpiętością tonalną, ale również zminimalizować mogący powstać na ciemnych partiach szum. 

Oczywiście teoria teorią, ale równie ważne jest doświadczenie. Weźmy na przykład sytuację, kiedy nagrywamy wywiad na zewnątrz w piękny, słoneczny dzień. Jeśli ustawimy właściwie ekspozycję na naszego bohatera, co powinno pokrywać się mniej więcej z wartością 55% na szarej karcie ustawionej obok twarzy, to zapewne okaże się, że na obszarze pozostającego w tle nieba wartość jasności przekroczy 94%. I tu trzeba podjąć decyzję; czy świadomie godzimy się na to, aby było ono prześwietlone? A może obniżymy nieco ekspozycję licząc się z tym, że nasz bohater będzie nieco niedoświetlony (co wiąże się z koniecznością podnoszenia wartości “Shadows” w postprodukcji i ryzyka powstania szumów)? A może po prostu zmienimy lokalizację? Tu nie ma złotych środków, ale wiedza i pomoc w postaci Zebry zdecydowanie pomaga.

Właściwa ekspozycja jest absolutnym kluczem do tego, aby już podczas korekcji barwnej obrazu zamiast naprawianiem błędów zająć się raczej znacznie przyjemniejszą realizacją twórczej wizji. Stąd naprawdę warto zainwestować przynajmniej w samą szarą kartę, a najlepiej w profesjonalny wzorzec kolorów. Osobiście mogę polecić X-Rite ColorChecker Passport Video, który zawiera kartę z wzorcami kolorów video, kartę do ustawienia balansu bieli, kartę do ustawienia ostrości oraz właśnie kartę z trójstopniowym wzorcem skali szarości, od bieli poprzez szary (szara karta 18%) aż po czerń. Atutem tego wzorca są również kompaktowe wymiary, dzięki którym można schować go do kieszeni i mieć cały czas przy sobie, oraz możliwość zamknięcia, dzięki czemu wzorce są chronione od działania promieni słonecznych przedłużając ich żywotność.       

X-Rite Colorchecker Passport Video

ISO KONTRA SZUM

Jeśli wiadomo już jak ustawić ekspozycję, warto pomówić o tym jak ją również korygować. Generalnie film stawia w tej kwestii dużo więcej ograniczeń niż fotografia. A więc po kolei; czas naświetlania powinien być podwojoną wartością ilości klatek na sekundę zapisu, co zapewnia dwie, maksymalnie trzy dodatkowe opcje jego zmiany. Przysłona daje większe możliwości, ale wpływa jednocześnie na głębię ostrości, co nie zawsze może być pożądanym efektem. Wreszcie czułość ISO; jej zakres wraz z rozwojem techniki cały czas się zwiększa i poziomy, które jeszcze niedawno były nieosiągalne, teraz nikogo nie dziwią. Ale wzrost ISO prawie zawsze oznacza również większą ilość szumu, więc w zależności od matrycy warto wiedzieć w jakim bezpiecznym zakresie można się poruszać. Sprawa dodatkowo się komplikuje przy korzystaniu właśnie z S-Log’ów; Sony podaje, że “… krzywe S-Log2 i S-Log3 w inny sposób kontrolują ekspozycję, tak aby zapewnić szeroki zakres dynamiczny” co skutkuje tym, że minimalna czułość ISO jest wyższa niż zwykle. To oczywiście zależy od modelu, ale np. w Sony A7III ta wartość wynosi 800, z kolei w A7SIII 640 (tu da się zejść niżej, ale testy potwierdzają wówczas znaczny spadek zakresu dynamicznego). Co to oznacza? W jasny, słoneczny dzień uzyskanie miłego dla oka rozmycia tła (np. z przysłoną f/2.8) może okazać się niemożliwe, ponieważ ISO rzędu 800 sprawia, że obraz staje się mocno prześwietlony (nieodzowne staje się zastosowanie filtrów ND).

Dodatkową opcją, dostępną w sprzętach już wyższej półki jest podwójne ISO. Chociaż Sony tego oficjalnie nie potwierdza, ale już w modelu A7SIII można zauważyć, że przy wzroście ISO od poziomu natywnego (dla którego ilość szumu będzie najmniejsza, dla S-Log2 i S-Log3 to 640) ilość szumu rośnie aż do pewnej wartości, po czym nagle znów spada do ilości porównywalnej do poziomu natywnego (dla S-Log2 i S-Log3 to 12800). Zatem mając taką wiedzę i możliwości sprzętowe często warto kuriozalnie podnieść ISO korygując ekspozycję np. przysłoną.

Właściwie do wszystkich powyższych kwestii odnosi się poniższy film na kanale Youtube – Gerald Undone. Jeśli ktoś go nie zna, naprawdę warto tam zajrzeć, Gerald testuje i opowiada o różnych nowinkach technicznych ze świata fotografii i filmu w sposób niezwykle dokładny, a jednocześnie całkiem przystępny. 

FILTRY ND

Kolejną kwestią, którą chciałem poruszyć są filtry szare, inaczej ND (z ang. neutral density), których funkcją jest zmniejszanie ilości światła padającego na matrycę. Właśnie dzięki nim można uzyskać właściwą ekspozycję np. dla czasu naświetlania 1/50 sekundy, przesłony f/2.8 oraz ISO 800 dla sceny rejestrowanej na zewnątrz przy dużym nasłonecznieniu. Filtry te rozróżnia przede wszystkim wartość ND (np. ND32 – im wyższa wartość tym mniej przepuszczanego światła). Ponadto występują one albo osobno, albo w formie filtrów zmiennych VND (z. ang. variable neutral density, zazwyczaj występują w zakresach ND4-ND32 oraz ND64-ND512), które z jednej strony kuszą swoją wygodą użytkowania, ale też nie są pozbawione wad, takich jak możliwość minimalnego zabarwienia obrazu (color casting) czy delikatnego zaciemnienia w postaci krzyża (cross polarization, może wystąpić dla obiektywów szerokokątnych). Ostatnio na rynku pojawiły się również filtry VND w wersji mist – zmiękczające obraz i dodające charakterystycznej poświaty wokół źródeł światła.  

ZEWNĘTRZNY MONITOR PODGLĄDOWY Z LUTEM

Zapewne wiele osób spotkało się z określeniem LUT, mając na myśli plik, który w magiczny sposób zmienia obraz w trakcie postprodukcji. Jest ich mnóstwo, jedne płatne, inne darmowe, używanie LUT’ów to generalnie temat na zupełnie inną dyskusję. Natomiast istnieją również tzw. LUT’y techniczne udostępniane przez producentów (tutaj link do Sony), których zadaniem jest przetransformowanie obrazu z trybu logarytmicznego na przestrzeń Rec. 709, aby móc je poddać dalszej obróbce. Teraz wyobraźmy sobie, że ten sam LUT, ba nawet końcowy, który sami możemy stworzyć może być zaimportowany i obsługiwany przez zewnętrzny monitor podglądowy (który oczywiście obsługuje taką funkcję)! Zamiast typowych dla logów spranych kolorów i małego kontrastu, w podglądzie na żywo można zobaczyć obraz niemal taki, jaki spodziewamy się finalnie otrzymać. Poza False Colors, Zebrą, czy nie wspominanym jeszcze Histogramem jest to kolejny sposób na kontrolę i pomoc podczas pracy w S-Logu.

PODSUMOWANIE I NIESPODZIANKA

Mam nadzieję, że wszystkie przedstawione zagadnienia stały się choć trochę bardziej przystępne, zwłaszcza dla osób które dopiero rozpoczynają zabawę z filmowaniem. Czy zatem warto zawsze korzystać z S-Log? To zależy. Sam do niedawna na A7III używałem raczej gammy Cine, ponieważ dawała mi poczucie bezpieczeństwa, a z drugiej strony przy 8-bitach i próbkowaniu kolorów 4:2:0 korzyść z S-Loga nie jest aż tak wielka, co nie znaczy że jej nie ma. Teraz już na A7SIII, z obrazkiem zarejestrowanym w 10 bitach i próbkowaniu 4:2:2 oraz opisanym powyżej własnym doświadczeniem nie boję się, że coś się nie uda, bo mam narzędzia które pozwalają mi na kontrolę w trakcie pracy. Za to później, już w postprodukcji zabawa z kolorem jest przednia. Więc, chyba warto!

I na koniec, znów udało mi się coś wynegocjować w zaprzyjaźnionym sklepie Grupa Fine Art, tym razem rabat 10% na wzorce kolorów od X-Rite w wersji Passport oraz w wersji tradycyjnej, dwustronnej. Kod: CCVIDEO, linki (nie afiliacyjne) poniżej:

Promocja jest ważna do końca lutego 2021.


Loupedeck Live

Loupedeck Live w DaVinci Resolve

Moja przygoda z produktami Loupedeck rozpoczęła się ponad rok temu, kiedy zdecydowałem się na zakup konsoli w wersji “+”. I muszę szczerze przyznać, że wrażenia z użytkowania były jak najbardziej pozytywne, ale… od trzech tygodni mam przyjemność korzystania już z wersji Live. Co zatem spowodowało chęć zmiany?  

LOUPEDECK LIVE; BARDZIEJ CT CZY "+"?

Wersja “+” to produkt skrojony pod Lightrooma; najważniejsze przyciski i pokrętła są fizyczne i zawsze w tym samym miejscu. To niesamowicie ułatwia pracę, bo pamięć mięśniowa sprawia, że możemy już tylko spoglądać na ekran a dłonie i palce same natrafiają na właściwe miejsca. Te cechy sprawiły, że już po kilku dniach ciężko było mi sobie wyobrazić pracę bez Loupedecka. Ale już w przypadku Photoshopa nie było tak różowo. Nie wiem, może po prostu nie potrafiłem czegoś właściwie skonfigurować…? Wreszcie, jakiegokolwiek wsparcia obsługi DaVinci Resolve było zwyczajnie brak.

Kiedy na rynku pojawiła się wersja CT, można było mówić o małej rewolucji. To konsola w swym założeniu zupełnie inna, dużo bardziej uniwersalna, z natywną obsługą wielu programów (w tym również Lightrooma i Photoshopa). Jednak, co  może nawet ważniejsze, również z możliwością tworzenia własnych profili, które wykorzystując skróty klawiszowe pozwalają obsługiwać programy, do których API Loupedeck nie ma jeszcze dostępu. Konsola posiada zarówno pokrętła i przyciski fizyczne, jak i elektroniczne umieszczone na ekranie dotykowym. 

Gdzie zatem znajduje się najnowszy Live? Zdecydowanie bliżej mu do wersji CT, właściwie można powiedzieć, że to jego młodszy brat, który nie posiada części przycisków oraz dużego pokrętła, jednak przy właściwym zmapowaniu komend pozwala osiągnąć dokładnie to samo. Nie miałem okazji sprawdzić CT i zakładam, że te dodatkowe przyciski są pewnie wygodniejsze w użyciu. Z drugiej jednak strony Live otrzymał mały dodatek w postaci podstawki montowanej z tyłu konsoli, która pozwala na ustawienie urządzenia pod kątem i przyznaję, że takie ustawienie jest bardzo praktyczne i wygodne. Na koniec i tak zawsze dochodzimy jednak do ceny; w momencie zakupu sprzęt był dostępny tylko na stronie producenta i różnica między nim a CT wynosiła ok. 1000 zł. Długo się nie zastanawiałem 🙂  

JAK DZIAŁA LOUPEDECK LIVE?

Loupedeck Live proponuje osiem okrągłych przycisków fizycznych, sześć pokręteł, które poza funkcją powiązaną z obrotem mogą również służyć jako przyciski oraz ekran dotykowy, na którym centralnie mamy dwanaście pól na przyciski oraz dwa dodatkowe pola po lewej i prawej służące do opisu i zmiany funkcji pokręteł. Tylko te okrągłe przyciski są zaprogramowane na stałe, natomiast wszystkie pozostałe mogą działać zupełnie inaczej w zależności od danej przestrzeni roboczej. Mało tego, nawet w ramach jednej przestrzeni można je również zmieniać przesuwając palcem po ekranie w poziomie w części centralnej, oraz w pionie w częściach bocznych. Dzięki temu dla przykładu to samo pokrętło w przestrzeni Edit może służyć jako JKL, ale również jako funkcja oznaczająca klip określonym kolorem. 

TWORZENIE WŁASNYCH PROFILI 

Zanim zacznę opowiadać o wrażeniach z korzystania z konsoli kilka słów o możliwości budowania własnych profili. Po założeniu konta na stronie producenta oraz instalacji oprogramowania możemy zaimportować gotowe natywne profile kilkunastu programów (lista na stronie www.loupedeck.com), jak również ‘customowe’, bazujące na skrótach klawiszowych profile do ponad dwudziestu kolejnych programów. Co jednak niezwykle istotne; te profile można modyfikować i tworzyć własne! Załóżmy, że w DaVinci Resolve w zakładce Color lubię mieć porządek i nazywać wszystkie node’y. W ‘Keyboard Customization’ ustawiam zatem nowy skrót, np. Tab, który uruchamia funkcję nadawania nazwy, a później taką samą funkcję dodaję we własnym profilu dla tego programu. 

W tym miejscu podziękowania należą się Szymonowi Jędrysowi, który stworzył świetny poradnik praktycznego użycia Loupedecka CT w Resolve (tutaj link). Oglądając jego film kilka razy i korzystając z własnych doświadczeń ustawiłem własny profil, który sprawdzał się niemal doskonale…

IKONY!

No właśnie! Fajnie zmapować wiele przycisków i skrótów, co bardzo usprawnia tzw. workflow, jednak pewną nazwijmy to niedogodnością jest fakt, że wszystkie przyciski na ekranie dotykowym wyglądają bardzo podobnie, różnią się tylko tekstem. Oczywiście wiedziałem, że istnieje możliwość dodawania ikon, ale skąd wziąć ikony do tak wielu skrótów, tworzyć je samemu? Szkoda czasu. Postanowiłem więc zainwestować ok. 120 zł na zakup paczki (ze sklepu www.sideshowfx.net), która zawiera ponad 1300 gotowych ikon w 4 wersjach (z podpisem i bez oraz na czarnym i jasnym tle), 860 predefiniowanych skrótów, plik ze skrótami do zaimportowania w Resolve oraz gotowy profil do Loupedecka CT/Live. Czy to 120 zł to dużo? Mogłoby być mniej, ale te ikony naprawdę robią robotę! Praktycznie już następnego dnia zauważyłem, że wzrokowo kojarzę dane funkcje i nie muszę się zastanawiać i wpatrywać w ekran.  

MOJE USTAWIENIA GŁÓWNE

OK, przejdźmy zatem do konkretów! Wspomniałem o ośmiu okrągłych przyciskach, które są zdefiniowane na stałe (ponumerowane od 1 do 7 oraz przycisk domowy). Póki co mam zdefiniowane następujące przestrzenie robocze i powiązane z nimi przyciski:

  • Main (przycisk domowy)
  • Media (1)
  • Cut
  • Edit (2)
  • Fusion (3)
  • Fairlight
  • Color (4)
  • Deliver

Dodatkowo przycisk 5 zaprogramowałem jako Stop, 6 jako Mark In oraz 7 jako Mark Out. W taki sposób uzyskałem szybki dostęp do przestrzeni i funkcji, których najczęściej używam. Z kolei dostęp do pozostałych przestrzeni roboczych umożliwia mi przejście do Main i skorzystanie z przycisków dotykowych. 

MEDIA

W zakładce Media zdefiniowałem najbardziej typowe funkcje przycisków jak Import Media, Project Manager, Clip Attributes, New Bin oraz Create Subclip. Z kolei pokrętła pozwalają mi na na korzystanie z JKL, przesuwanie się po liście klipów oraz nadawanie kolorów oraz flag klipom. Dzięki temu właściwie niemal bez użycia myszki mogę zaimportować konkretne klipy bądź ich części oraz je właściwie posegregować i oznaczyć.

EDIT

W zakładce Edit, co oczywiste zdefiniowanych funkcji jest o wiele więcej niż w Media. Wśród przycisków można tu znaleźć choćby różne metody wrzucania klipów na Timeline, przełączanie między trybami Normal, Trim czy Dynamic Trim, różne funkcje typu Snapping, Change Clip Speed czy Add Transition oraz inne. Natomiast pokrętła pozwalają mi na zoomowanie Timeline, przesuwanie o 1 klatkę i 1 sekundę Playhead oraz samego klipu, co jest niezwykle wygodne zwłaszcza w trybie Trim. 

FUSION "CONFUSION"

Zakładka Fusion, nazywana często dla żartu Confusion to dostęp do niesamowitych funkcji i możliwości tworzenia animacji 2D oraz 3D. Choć zdarzało mi się już nie raz z niej korzystać, póki co nie miałem pomysłu nt. zbudowania profilu, który mógłby jeszcze bardziej przyśpieszyć moją pracę. Dlatego też pozostawiłem podstawowe funkcje takie jak Background, Text, Resize czy Paint.

COLOR

W zakładce Color prawdopodobnie najbardziej doświadczymy faktu, że profil jest zbudowany na skrótach klawiszowych, a nie dzięki dostępowi do API. Trzeba jednak zdać sobie sprawę, że istnieje tu konflikt interesów, ponieważ Blackmagic Design sam jest producentem urządzeń peryferyjnych takich jak klawiatura, ale przede wszystkim paneli do color gradingu i tego dostępu Loupedeck może nie uzyskać nigdy. Jednak wspomniane urządzenia to też sporo większy wydatek niż Loupedeck, który dodatkowo jest urządzeniem dużo bardziej uniwersalnym. 

Mimo tego, Live w zakładce Color również spisuje się świetnie. Funkcje, które mam zmapowane to różne opcje dodawania node’ów, ich pomijanie i resetowanie, narzucanie gradingu z poprzedniego klipu,  funkcje związane z podglądem, dodawanie wersji i wiele innych. Natomiast pokrętła umożliwiają przesuwanie się pomiędzy node’ami, podgląd kolejnych wersji, zoomowanie podglądu czy wreszcie manewrowanie Offset poprzez Printer Light.    

PODSUMOWANIE

Uważam, że relacja ceny do możliwości w przypadku Loupedeck Live jest fantastyczna. OK, jeśli ktoś używa głównie Lightrooma, być może ciągle “+” będzie najlepszym rozwiązaniem. Ale, tak jak w moim przypadku, kiedy ktoś chciałby usprawnić swoją pracę również w takich programach jak Photoshop, DaVinci Resolve i może jeszcze paru innych, a z drugiej strony nie chciałby wydawać ponad 2000 zł na CT, wybór powinien być oczywisty. Live zajmuje zdecydowanie mniej miejsca na biurku niż “+”, jest uniwersalny, a wsparty dodatkowo paczką ikon znakomicie wspiera mój proces post-produkcji. Nie żałuję ani jednej wydanej złotówki!

Obecnie konsolę można już kupić od polskich dystrybutorów, np. ze sklepu wzorniki.eu (link), Grupa Fine Art (link) czy Foto-Plus (link)! Z tego co wiem są również opcje przetestowania sprzętu, więc nie ma nic do stracenia!

PS. Dla wyjaśnienia; zarówno konsolę jak i paczkę ikon kupiłem za własne pieniądze i nie jest to tekst w żaden sposób sponsorowany. Podane linki do sklepów również nie są afiliacyjne, ale mogę je polecić bazując na własnym, jak najbardziej pozytywnym doświadczeniu.

EDIT: Z DNIA 22.11.2020

Krótko po ukazaniu się wpisu pojawiła się najpierw zapowiedź, a następnie prezentacja najnowszej wersji DaVinci Resolve 17, która wniosła naprawdę masę nowych funkcjonalności. I właśnie jedna z nich jest niezwykle istotna z punktu widzenia użytkownika tej konsoli; otóż teraz, np. w zakładce Color, można klikając w pole ukazujące wartość liczbową, np. Saturację czy Temperaturę barwową, zmieniać tę wartość za pomocą strzałek na klawiaturze! Strzałki góra/dół zmieniają wartość, zaś poruszając się w lewo/prawo decydujemy który rząd wartości zmieniamy. A stąd już tylko krok do zmapowania takiej funkcji w Loupedeck Live, ewentualnie dodania ikony i gotowe. Można to zobaczyć na poniższym krótkim filmiku w chill out’owym klimacie…


Kalibracja monitora systemowa czy sprzetowa uai

Kalibracja monitora: systemowa czy sprzętowa?

ZARZĄDZANIE KOLOREM

Na początek dwa słowa na temat, który spędza sen z powiek wielu twórców, czyli zarządzanie kolorem. Co to takiego? Otóż można powiedzieć, że jest to ogół działań obejmujących cały proces twórczy od samego początku, czyli np. wykonania zdjęcia lub nagrania video, poprzez post-produkcję aż do oddania gotowego dzieła w postaci pliku elektronicznego bądź wydruku, mający na celu zapewnienie sobie kontroli nad obrazem. Załóżmy, że klientowi zależy na tym, żeby na zdjęciach które otrzyma kolory były dokładnie takie same jak w rzeczywistości, co często ma znaczenie w przypadku sesji modowej. Tylko właściwe zarządzanie kolorem pozwoli nam uzyskać ten cel a z pomocą przyjdą wzornik kolorów (tzw. color checker), odpowiednio skalibrowane monitor oraz drukarka, wreszcie trochę wiedzy m. in. o przestrzeniach kolorystycznych oraz doświadczenia w temacie. Poniżej skupię się na niezwykle istotnej części tego procesu, czyli monitorach i ich kalibracji.

CZY WARTO W OGÓLE KALIBROWAĆ MONITOR?

To powinno być zawsze pytanie retoryczne… ale niestety ciągle zdarza się słyszeć opinie, że skoro i tak odbiorcy będą oglądali swoje zdjęcia czy filmy video na przeróżnych, lepszych i gorszych monitorach i wyświetlaczach urządzeń mobilnych, to kwestia kalibracji nie ma w zasadzie znaczenia. W odpowiedzi na taki argument przychodzą mi do głowy zawsze trzy fundamentalne kwestie; po pierwsze to z szacunku dla siebie, swojej firmy czy marki powinniśmy się zawsze starać oddać w ręce odbiorcy produkt o jak najwyższej jakości. Jeśli regularnie kalibrujemy swój monitor to on daje nam zaufanie co do właściwego odwzorowania kolorów, natomiast na to na jakim urządzeniu klient go obejrzy i tak nie mamy wpływu. Druga kwestia dotyczy sfery wydruku i ponownie, jeśli nie chcemy być niemile rozczarowani przy odbiorze zdjęć, nie ma innej drogi jak właściwe zarządzanie kolorem, którego kalibracja jest częścią. Wreszcie, jeśli praca wygląda dobrze na skalibrowanym monitorze to ewentualna odchyłka względem tych „gorszych” wyświetlaczy i tak zawsze będzie mniejsza i nie narazimy się na rozczarowanie klienta. 

KALIBRACJA SYSTEMOWA CZY SPRZĘTOWA?

Mówiąc o kalibracji zawsze padają słowa systemowa i sprzętowa, ale czym one właściwie się różnią? Praktycznie każdy monitor, czy to wolno stojący czy wbudowany w laptop można za pomocą kalibratora oraz odpowiedniego oprogramowania poddać kalibracji systemowej. Dużą mniejszą z kolei grupę monitorów stanowią te, które można poddać również kalibracji sprzętowej. Produkcja masowa matryc, nawet tych najdroższych nie jest w stanie zapewnić zawsze tych samych i idealnych parametrów. Dodatkowo zmieniają się one również w trakcie eksploatacji samego urządzenia. Między innymi dlatego właśnie stosuje się kalibrację, która jest mówiąc w uproszczeniu pomiarem odchyłki pomiędzy wzorcem a rzeczywistym wynikiem uzyskiwanym przez dany wyświetlacz. Te odchyłki są następnie wykorzystywane do skorygowania obrazu i tu dochodzimy do różnicy pomiędzy kalibracją systemową a sprzętową.

Kalibracja systemowa odbywa się za pomocą oprogramowania dostarczonego przez producenta kalibratora i kończy utworzeniem profilu icc, który jest zapisywany w systemie operacyjnym komputera. Następnie karta graficzna odczytując dane z tego profilu dokonuje korekty sygnału wysyłanego do monitora. Niestety, taka korekta niesie za sobą pewne problemy; otóż korygując dany kolor w taki sposób wpływamy też delikatnie na inne, a więc to odwzorowanie już nie będzie tak dokładne. Dodatkowo może nastąpić minimalna degradacja obrazu zwłaszcza na obszarach, gdzie mamy do czynienia z subtelnymi zmianami tonalnymi, w skutek czego może powstać tzw. banding. Żeby była jasność; nawet pomimo tych kwestii zdecydowanie warto kalibrować monitory systemowo! Kolory i tak będą dużo bliższe tym wzorcowym a dodatkowo otrzymamy właściwy poziomu luminancji czy wartości składowych RGB dla danego punktu bieli, co „na oko” nigdy nie byłoby możliwe.

Natomiast w przypadku kalibracji sprzętowej proces przebiega za pomocą oprogramowania dostarczonego przez producenta monitora. Trwa on jednak zauważalnie dłużej i jest bardziej dokładny a na końcu poza profilem icc tworzony jest tzw. LUT (lookup table). Jest to znów mówiąc w uproszczeniu plik zawierający dane o tych zmierzonych odchyłkach od wzorca, ale co najważniejsze nie jest zapisywany w systemie operacyjnym, jak icc, ale w pamięci samego monitora. W tym przypadku karta graficzna ze wspomnianego profilu icc pobiera tylko informacje o zastosowanej przestrzeni kolorystycznej, ale właściwa korekta dokonuje się już w samym monitorze, dzięki czemu unikamy wspomnianych wcześniej problemów. Taka metoda pozwala na uzyskanie wyników tak bliskich 100% odwzorowaniu, że ludzkie oko nie jest już w stanie zauważyć różnicy!

RÓŻNE PROFILE KOLORYSTYCZNE NA JEDNYM MONITORZE

Monitory z wyższej półki posiadające możliwość kalibracji sprzętowej często dają możliwość zapisu kilku profili; np. na swoim podstawowym Benq SW271 mam do dyspozycji 3 takie profile, z których dwa dotyczą przestrzeni AdobeRGB do pracy z fotografią i różniące się między sobą poziomem luminancji (niższa luminancja do wydruków) oraz trzeci w przestrzeni Rec-709 do pracy z plikami video. Z kolei na drugim monitorze Benq PD2500Q z kalibracją systemową mam przestrzeń srgb (która jest bardzo zbliżona do Rec-709). Należy jednak pamiętać, aby w przypadku zmiany profilu na monitorze zmienić również stosowny profil icc w systemie operacyjnym komputera.

KASOWANIE STARYCH PROFILI ICC W WINDOWS

Kalibracja to nie jest proces jednorazowy i należy ją powtarzać systematycznie. Jak często? Nie ma tu konkretnych zasad, osobiście staram się to robić średnio co 2-3 miesiące. Po kilku kalibracjach zauważamy jednak, że ilość zapisanych „starych” profili icc wzrasta, a ich skasowanie przynajmniej w Windows nie jest takie oczywiste, jakby się mogło wydawać. Co należy zrobić? Otóż na dysku na którym mamy zainstalowany system operacyjny należy odnaleźć folder Windows, a następnie kolejno -> System32 -> spool -> drivers -> color i ręcznie usunąć niepotrzebne profile.

PODSUMOWANIE + NIESPODZIANKA!

Mam nadzieję, że choć trochę udało mi się wyjaśnić kilka zawiłości technicznych i być może zachęcić do przemyślenia ewentualnej inwestycji w lepszy monitor a przynajmniej kalibrator? I tu mam niespodziankę; z okazji tej publikacji zaprzyjaźniony sklep Grupa Fine Art przygotował specjalny rabat, dzięki któremu otrzymacie najniższe obecnie ceny na rynku na poniższe produkty:

– z kodem rabatowym „kaktus” otrzymacie 50 złotych rabatu na kalibrator X-Rite i1 Display Pro (z którego sam korzystam) oraz zestaw X-Rite i1 ColorChecker Pro Photo Kit (wspomniany kalibrator + wzorzec kolorów),
– z kolei z kodem „kaktusplus” otrzymacie 100 złotych rabatu na kalibrator X-Rite i1 Display Pro Plus (dedykowany zwłaszcza do bardzo jasnych monitorów do 2000 nitów).

Oba kody są ważne do 31 października 2020.

I na koniec jeszcze, dla tych którzy może jeszcze nie doceniają pracy z kolorem – polecam do obejrzenia fantastyczny webinar Joanny Kustry – „Sekrety color-gradingu w footografii”. Miłej pracy z kolorami!


Sesja ciazowa Kasi i Krzyska uai

Sesja ciążowa Kasi i Krzyśka

Jak ten czas szybko mija… Kasia i Krzysiek byli jednymi z pierwszych, którzy kiedyś mi zaufali umawiając się na sesję w lawendowych polach (tutaj link). Jakże więc miło było ponownie im towarzyszyć, zwłaszcza tuż przed tak ważnym dla nich wydarzeniem. Umówiliśmy się na dwa spotkania a poniżej krótka relacja z obu tych sesji.

SESJA CIĄŻOWA - DZIEŃ PIERWSZY

Pierwszego dnia, a właściwie popołudnia umówiliśmy się pod Wawelem, tuż obok Smoczej Jamy. Pogoda, zgodnie z prognozami dopisywała, więc nie pozostało nic jak tylko z niej korzystać. Najpierw wybraliśmy się właśnie na Zamek Królewski, który sam w sobie już daje dużo możliwości pom kątem różnorakich sesji fotograficznych, Następnie, spacerując wzdłuż Wałów Wiślanych, obok Bazyliki na Skałce kierowaliśmy się w stronę dzielnicy Kazimierz oraz Kładki Bernatka, którą przedostaliśmy się na drugą stronę Wisły. Czas szybko płynął i ostatnim przystankiem była niesamowita bryła budynku Cricoteki.

SESJA CIĄŻOWA - DZIEŃ DRUGI

Z kolei drugiego dnia spotkaliśmy się pod kopcem Krakusa. To miejsce w Krakowie bardzo popularne, z dużą ilością zieleni oraz piękną panoramą miasta, zwłaszcza przy zachodzącym słońcu. Dodatkowo zaraz obok znajduje się urwisko skalne a na dole Kamieniołom Liban. 

To były dwa bardzo sympatyczne spotkania a jednocześnie jedne z ostatnich dni przed narodzeniem małego Franka!   


Tworzenie panoramy 360 z plików RAW

Tworzenie panoramy 360 ̊ z plików RAW

Wiele dzisiejszych kamer i dronów pozwala uzyskać gotowe panoramy 360̊ , które dla części użytkowników pozostają jak najbardziej zadowalające i satysfakcjonujące. A przynajmniej do czasu, kiedy… nie zobaczą, o ile więcej da się osiągnąć z tego samego zdjęcia czy zdjęć w formacie RAW! Owszem, taka obróbka wymaga specjalnego oprogramowania, przynajmniej minimalnego nakładu czasu i choćby szczypty umiejętności, ale potencjalne efekty zdecydowanie są tego warte!

Dla mnie źródłem plików RAW panoramy 360̊ jest dron DJI Mavic 2 Pro. Trzeba wspomnieć, że aby poza zszytą przez oprogramowanie DJI panoramą w .jpg uzyskać również surowe pliki RAW (a konkretnie .dng) należy w aplikacji (w moim przypadku DJI Go 4) zmienić w ustawieniach opcję Save original panorama -> ON oraz rodzaj plików -> RAW.

Co do samego wykonania panoramy uwagi są oczywiste; w przypadku aparatu najlepiej korzystać ze statywu, a w przypadku drona unikać mocnego wiatru. No i jeszcze ekspozycja, którą należy w miarę możliwości uśrednić dla całej sceny. W skrócie chodzi o to, że jeśli ustawimy ją odpowiednio dla nasłonecznionej strony, druga może okazać się dużo za ciemna…

WYWOŁYWANIE PLIKÓW RAW

Kiedy panorama jest już wykonana i pliki mamy zgrane na dysk przystępujemy do pierwszego etapu – tzw. wywoływania RAW’ów. W kwestii oprogramowania jest tutaj sporo opcji płatnych (np. Lightroom, Capture One, czy nawet Photoshop) oraz darmowych (np. RawTherapee czy Darktable). Często również sami producenci sprzętu dodają niejako w gratisie własne aplikacje. Ja osobiście korzystam z pakietu dla fotografów od Adobe, więc naturalnym wyborem będzie dla mnie Lightroom. Bez względu jednak na to, z której korzystamy zasady są identyczne; na tym etapie zmiany globalne, czyli właściwe ustawienie balansu bieli, ekspozycji, usuwania szumów, kontrastu, saturacji, opcji wyostrzania, czy inne, które uznamy za słuszne powinny być takie same dla całej serii. Najwygodniej nanosić zmianę na jednym zdjęciu a następnie synchronizować zmiany na pozostałych (w Lightroom opcja Sync…).

Jedna z wielu zalet pracy z RAW’ami jest taka, że nie jest ona destruktywna, więc zawsze bezstratnie możemy powrócić do punktu wyjścia. Kiedy uznamy, że osiągnęliśmy zamierzony efekt, możemy zdjęcia wyeksportować. Opcje eksportu uzależnione są od tego co chcemy osiągnąć. Jeśli naszym celem jest np. publikacja na facebooku, to wg. tego co serwis podaje należy:

  • publikować panoramę o wymiarach nie większych niż 30 000 pikseli na jakimkolwiek wymiarze i 135 000 000 pikseli łącznie,
  • nie przekraczać rozmiaru 45 MB w .jpg oraz 60 MB w .png.

Rekomendacja facebooka to pliki o wadze 20-30 MB. Oczywiście zdjęcia są różne, ale ja z reguły eksportuję pojedyncze .jpg’i w rozmiarze 2000-2500 pikseli na dłuższym boku.

ZSZYWANIE PANORAMY SFERYCZNEJ

Drugi etap to zszywanie pojedynczych zdjęć do panoramy. Tutaj z kolei korzystam z darmowego programu Image Composite Editor od Microsoft (często zwany w skrócie ICE). Program można pobrać korzystając z tego linku: https://bit.ly/2MSRH8g , ze strony Microsoft. Z płatnych polecany jest PTGUI, ale mnie póki co ICE jeszcze nie zawiódł. Jeśli podczas wykonywania panoramy nie było żadnych problemów, to zszywanie powinno przebiec szybko i bezproblemowo. Zaczynamy od New Panorama From Images a następnie wyszukujemy folder, w którym zapisaliśmy zdjęcia, zaznaczamy wszystkie i klikamy Otwórz.

Następnie klikamy Next i zdjęcia są zszywane. Na tym etapie możemy wybrać jakiego rodzaju panoramę chcemy uzyskać, ale w naszym przypadku to oczywiście opcja Spherical. Ponadto, gdyby była taka potrzeba, można albo ręcznie przeciągając kursorem myszki, albo po wpisaniu odpowiedniej wartości Auto orientation zmodyfikować obraz, na przykład wyprostować horyzont. Po korekcie klikamy Next.

W kolejnym kroku musimy przyciąć obraz, tak aby uzyskać prostokąt. Można skorzystać z opcji Auto crop, dzięki której obrazek zostanie przycięty w sposób minimalny.

No i już tylko eksport. Kilka prostych opcji do wyboru. Ja używam skali 100% i formatu .jpg i Quality 100. Dla moich plików, które ważyły ok. 10-12 MB, plik panoramy zajmuje 36 MB.

ZMIANA ROZMIARU, POPRAWKI I EKSPORT

Ostatni etap to praca w Photoshopie. Są dwie możliwości importu panoramy; w zakładce 3d -> Spherical Panorama klikamy Import Panorama, lub po prostu otwieramy plik w Photoshopie a później tą samą ścieżką zamiast Import… wybieramy New Panorama from Selected Layer(s). Photoshop przy okazji zasugeruje zmianę przestrzeni roboczej, tzw. workspace na 3D, co pozwoli nam za pomocą odpowiedniego narzędzia obracać obrazem.

To, co musimy zrobić to przede wszystkim zmienić proporcje obrazu na idealne 2:1. Przy tej okazji pokażę jeszcze, jak z panoramą pracować niedestruktywnie. Po prawej stronie poniżej Layer 1 mamy PANO00-1, to nazwa mojej zaimportowanej panoramy. Trzeba ją przeklikać i panorama otworzy się w drugim oknie, ale już spłaszczona. Tutaj wybieramy z menu Image-> Canvas size i zmieniamy wysokość dokładnie na połowę szerokości! W moim przypadku to 5376 pikseli, zmieniamy jeszcze opcję Anchor, aby przestrzeń była dodana u góry, i klikamy ok.

Następnie narzędziem zaznaczania prostokątnego zaznaczamy ten dodatkowy obszar delikatnie najeżdżając na niebo i wybieramy opcję Edit -> Content-Aware Fill… i po chwili analizy klikamy ok. Ta niesamowita funkcja inteligentnego wypełniania na podstawie podobnych obszarów naszego obrazka wypełni dodany obszar. Następnie Ctrl+D odznaczamy zaznaczenie. Klikamy Ctrl+S aby zachować zmiany i przenieść je na panoramę 3D.

Moja panorama ma ciemne niebo, warunki nie zmieniały się, więc linia łączenia jest niewidoczna. W przypadku panoram wykonanych w ciągu dnia zapewne będzie potrzebna dodatkowa korekta linii zszycia w obszarze, który dodawaliśmy. Może też trzeba będzie usunąć np. widoczny statyw, gdy panorama nie była dziełem drona. Wreszcie można też nanieść bardziej lokalne korekty. Trzeba pamiętać o jednym; musimy na spłaszczonej panoramie dodać nową warstwę i zostawić ją aktywną, bez względu na to czy zmian dokonujemy na panoramie spłaszczonej czy 3D. Do korekty linii szycia przydadzą się zapewne trzy podstawowe narzędzia; Clone Stamp, Healing Brush oraz Spot Healing Brush. Praca na spłaszczonej panoramie jest taka sama, jak z każdym obrazkiem; można np. dodawać krzywe, maski, itp. itd. Trzeba tylko pamiętać, aby na końcu pracy zapisać zmiany, aby zostały one naniesione na “właściwą” panoramę w 3D. Ostatni etap to eksport; w tym celu wybieramy z menu 3D -> Spherical Panorama -> Export Panorama. Moja panorama jako plik .jpg zajęła niecałe 32 MB i w takiej postaci wrzuciłem ją na facebooka (tutaj link do panoramy).

PODSUMOWANIE

Mam nadzieję, że ten poradnik okazał się dla Was pomocny. Oczywiście pominąłem tu kilka kwestii związanych z pracą w Lightroom czy Photoshop dotyczących szczegółowych technik nanoszenia konkretnych poprawek, jednak cała ścieżka pracy pozostaje taka sama. Udanego panoramowania!


soundstripe x kaktus.studio

Soundstripe x Kaktus.studio

Pracowałem ostatnio nad małym projektem i choć zdjęcia były zupełnie amatorskie, to dzięki klimatycznej ścieżce dźwiękowej udało się nadać odpowiedni charakter i stworzyć całkiem udany klip! Po raz kolejny okazało się, jak ważną część filmu stanowi właśnie odpowiedni dźwięk. Przy tej okazji mam dla Was również niespodziankę ! Ale po kolei…

Warto stawiać na jak najwyższą jakość dźwięku, zarówno tego który sami rejestrujemy, jak i tego który pochodzi z różnego rodzaju serwisów. Nie polecam korzystania z tych darmowych; zazwyczaj stracimy mnóstwo czasu na poszukiwanie czegoś ciekawego, z jakością też zapewne nie będzie najlepiej, nie mówiąc już o ryzyku związanym z prawami autorskimi. Istnieje szereg płatnych serwisów, jedne lepsze, drugie gorsze. Ja od początku swojej przygody filmowej korzystam z soundstripe. A dlaczego? Z kilku powodów. Najpierw tym najważniejszym, poza oczywistym dużym wyborem różnego rodzaju muzyki, była możliwość miesięcznej subskrypcji, tak na próbę. Później doceniłem również m. in. łatwość i skuteczność filtrowania biblioteki dzięki tzw. tagom, co znacznie przyśpiesza cały proces wyszukiwania (kto przynajmniej raz zabierał się za montaż wie, jak bywa to czasochłonne). W serwisie co tydzień dodawane są nowe utwory, których jak wspomniałem jest naprawdę bardzo dużo, każdy znajdzie coś dla siebie. Nie ma żadnych ograniczeń w kwestii wykorzystania, możemy dostać licencję nawet na emisję w tv. Jakość jest oczywiście fantastyczna, a utwory często występują w różnych wersjach. Soundstripe oferuje plany Standard, Premium i Biznes (od Premium mamy dostęp również do bazy efektów dźwiękowych, tzw. SFX). Sprawdźcie sami, założenie konta jest darmowe. A jeśli przypadnie Wam do gustu, klikając w ten link afiliacyjny a następnie po użyciu kodu ‘kaktus10’ otrzymacie 10% rabatu! Miłego tworzenia! 


Efektywny workflow w DaVinci uai

Efektywny workflow w DaVinci Resolve

Wydawany przez firmę Blackmagic Design program DaVinci Resolve jest absolutnie genialny! Weźmy pod uwagę choćby filmy nominowane do zeszłorocznych oskarów, a wśród nich m. in. The Avengers: Infinity War, Solo: A Star Wars Story, Bohemian Rapsody czy Green Book. Co je łączy? Wszystkie były poddane korekcji barwnej właśnie w Resolve, a proces ten zwany fachowo jako “color grading” jest jego prawdziwą wizytówką. Ale DaVinci to prawdziwy “kombajn” do kompleksowej edycji video, który poza wspomnianymi oferuje masę niezwykle zaawansowanych funkcji również do samego montażu, tworzenia efektów specjalnych czy edycji dźwięku. Wszystko to jednak sprawia, że sprawne poruszanie się między zakładkami Media, Cut, Edit, Fusion, Fairlight, Color i Deliver wymaga sporej wiedzy i doświadczenia. W zamian jednak, po osiągnięciu odpowiedniego poziomu program odpłaca się wspaniałymi wrażeniami zarówno z samego użytkowania, jak i z uzyskanych efektów pracy!

DaVinci Resolve nie jest jednak oprogramowaniem, którego można się nauczyć dzięki kilku obejrzanym tutorialom, dlatego jeśli ktoś chciałby zagłębić się w tajniki montażu i wykorzystać jego potencjał, zdecydowanie warto wziąć udział w szkoleniach organizowanych przez  certyfikowane jednostki szkoleniowe Blackmagic Design. Jedną z nich jest Frank – Blackmagic Design DaVinci Resolve Training Partner z Katowic (link), którą mogę szczerze polecić bazując na własnym doświadczeniu. W ciągu 3 dni w miłej atmosferze, w kilkuosobowej grupie ale przede wszystkim pod czujnym okiem trenerów Macieja Gryzełko i Szymona Jędrysa poza usystematyzowaniem dotychczasowej wiedzy uzyskałem masę nowych informacji i praktycznych wskazówek, które ukierunkowały mój dalszy rozwój a w konsekwencji pozwoliły później na zdanie egzaminu i uzyskanie od Blackmagic Design tytułu “Certyfikowanego Użytkownika Końcowego”.  

Poniżej prezentuję zapis video z darmowego webinaru zorganizowanego przez firmę X-Rite, podczas którego Maciej i Szymon prezentują swój efektywny system pracy w DaVinci Resolve, pracując akurat na materiałach zarejestrowanych przez kaktus.studio podczas warsztatów Creative Masteclass Exclusive w grudniu 2019 r. (link do filmu). 


Recenzja kursu Piotra Wernera

Piotr Werner "Akcje Photoshop + retusz" - recenzja

Piotr Werner to znany i ceniony krakowski fotograf mody, portretu, komercyjny oraz ślubny. Piotr od wielu lat zadziwia swoich klientów i fanów niesamowitymi pracami, prowadzi w całej Polsce liczne warsztaty fotograficzne a niedawno uruchomił platformę szkoleniową online. I właśnie na tej platformie dostępny jest kurs “Akcje Photoshop 2020 + video retusz” z którego już od tygodnia mam okazję korzystać.

Chciałbym jednocześnie zaznaczyć, że choć prywatnie znam Piotra już od jakiegoś czasu, poniższy tekst nie jest w żaden sposób sponsorowany ani redagowany. Jest w pełni autorski i skierowany głównie do osób, które być może zastanawiają się nad zakupem, zwłaszcza w czasach, kiedy ilość kursów online gwałtownie wzrasta, ale niestety często nie spełniają one naszych oczekiwań.

A więc po kolei; po założeniu konta na platformie i zakupie otrzymujemy dostęp do:

  • 45 akcji do Adobe Photoshop,
  • video ze szczegółowym omówieniem każdej akcji z osobna,
  • oraz video z pełnym retuszem przykładowego zdjęcia przy wykorzystaniu powyższych akcji wraz z plikami RAW i PSD z wszystkimi warstwami.

AKCJE

Dla osób, które dopiero rozpoczynają swoją przygodę z retuszem dopowiem, że akcje to zautomatyzowany sposób na przyśpieszenie swojej pracy w programie. Za jednym kliknięciem tworzone są wszystkie potrzebne do osiągnięcia danego celu warstwy. Akcje same nie wyretuszują za nas zdjęcia, ale dzięki nim będziemy to mogli zrobić znacznie szybciej, łatwiej i w zorganizowany sposób, dzięki czemu będziemy mogli podnieść efekty swojej pracy na znacznie wyższy poziom.

A więc jak wspomniałem otrzymujemy aż 45 akcji do Adobe Photoshop, które są podzielone na grupy tematyczne:

  • FREQUENCY SEPARATION, czyli akcja bez której trudno wyobrazić sobie profesjonalny retusz. Akcja opiera się na medianie i “rozdziela częstotliwość obrazu”, dzięki czemu na jednej warstwie możemy poprawiać detale, np. wszelkie niedoskonałości skóry, bez wpływu na kolor. Z kolei na drugiej możemy poprawiać wszelkie przejścia tonalne, tym razem bez wpływu na detale. Już po kilku – kilkunastu minutach pracy efekty mogą być zdumiewające! Gdybym osobiście miał wybrać najważniejszą dla mnie akcje spośród tych czterdziestu pięciu, to byłaby to właśnie ta.

  • DODGE & BURN, to z kolei grupa 4 akcji, z których w zasadzie każda ma nam pozwolić osiągnąć ten sam cel; rozjaśnić lub przyciemnić dane partie obrazu, zarówno w ujęciu mikro, jak i makro. To metoda, z której korzystają najlepsi retuszerzy na świecie, pozwalająca uzyskać nieprawdopodobne efekty, a jej jedynym minusem jest tylko fakt, że jest dosyć czasochłonna i żmudna. No cóż, coś za coś 🙂
  • KONTRASTOWANIE ZDJĘCIA to kolejne 8 akcji, dzięki którym możemy wpływać na właśnie kontrast, dzięki czemu budujemy trójwymiarowość zdjęcia i podkreślamy te elementy, na które chcemy zwrócić uwagę odbiorcy. Wśród tych akcji chyba najważniejsze to “Kontrastowanie PRO”, a już szczególnie “Maski luminacji”. Ta ostatnia to znów metoda preferowana przez najlepszych retuszerów, ale dzięki tej akcji możesz skorzystać z niej również Ty! Tworzy się tutaj w “kanałach” 10 masek jasności, 10 masek cieni oraz 1 maska półcieni. Dzięki tym maskom już na warstwie możemy wpływać w niezwykle subtelny sposób na niewielkie obszary zdjęcia zdefiniowane właśnie poprzez wspomniane maski.
  • Dzięki dwóm kolejnym akcjom z grupy RETUSZ TWARZY w łatwy sposób m. in. wybielimy zęby, zmienimy kolor i jasność czy podkreślimy kontury oka. Proste akcje, ale jakże potrzebne w retuszu portretowym.
  • W grupie WYOSTRZANIE z kolei mamy 3 akcje, w tym „Wyostrzanie PRO 2020”, z której ponownie korzystają najlepsi retuszerzy. Oczywiście każdą akcję możemy modyfikować, dodawać maski itd. tak, aby uzyskać odpowiedni efekt. Należy jednak pamiętać, że najgorsze co możemy zrobić, to przeostrzyć zdjęcie, przez co zamiast naturalne stanie się „plastikowe”.

  • Następna grupa to COLOR. Znajdziemy tam 8 akcji, dzięki którym zapanujemy nad kolorem, zarówno globalnie, jak i lokalnie. Na szczególną uwagę zasługuje zwłaszcza akcja „Wyrównanie koloru skóry”, dzięki której możemy w prosty i efektywny sposób wyrównać różnicę pomiędzy odcieniami skóry np. na twarzy i nogach czy rękach.
  • Zdjęcia czarno-białe mogą mieć swoją niepowtarzalną magię, ale żeby ją uzyskać nie wystarczy tylko zdjąć saturację. W grupie CZERŃ BIEL mamy jednak trzy akcje, które zdecydowanie nam to ułatwią!
  • Przy profesjonalnym retuszu zdjęć niezwykle ważną, ale często niedocenianą rolę odgrywają WARSTWY POMOCNICZE DLA OCZU. Dzięki tym warstwom możemy kontrolować efekty swojej pracy i zobaczyć to, co przy „normalnym” widoku trudno byłoby zauważyć. Mamy do wyboru aż siedem akcji, m. in. „Sprawdzenie saturacji” czy sprawdzenie przejść tonalnych dzięki „Solar curve”.

  • Następna grupa akcji to EFEKTY. Tutaj moim zdaniem najbardziej interesujące spośród pięciu są zwłaszcza dwie akcje; „Rozmycie – portretowe bokeh”, dzięki której możemy manualnie sterować lokalizacją i stopniem rozmycia na zdjęciu, natomiast druga to „Szum analogowy”, która dodaje ten „filmowy vintage look”. Dodanie szumu pozwala również ukryć efekty niepożądanego bandingu, który może pojawić się w sytuacji, kiedy eksportujemy zdjęcie np. do mediów społecznościowych znacznie zmniejszając jego rozdzielczość a na zdjęciu mamy przestrzenie na których występuje delikatna zmiana tonacji danej barwy.
  • Ostatnia grupa to ROZMIARY, gdzie znajdziemy cztery akcje pozwalające na szybką zmianę rozmiarów zdjęcia pod kątem np. Facebook’a.

VIDEO ZE SZCZEGÓLNYM OMÓWIENIEM KAŻDEJ AKCJI Z OSOBNA

Warto wspomnieć, że powyższe akcje są przygotowane dla angielskiej wersji Photoshop’a, ale nie stanowi to problemu. Już na początku kursu video Piotr pokazuje, w jaki sposób zmienić wersję językową programu zarówno w Windows, jak i IOS. Następnie mamy prostą instrukcję dotyczącą sposobu instalacji akcji oraz szczegółowe omówienie każdej z osobna. Co ważne, to nie tylko omówienie, ale demonstracja działania i modyfikacji akcji na konkretnych przykładach. Dodatkowo, w trakcie Piotr dodaje od siebie wiele przydatnych wskazówek dotyczących jego najlepszych praktyk w retuszu a łączna ilość materiału tej sekcji to ponad 3.5 godziny!

VIDEO Z PEŁNYM RETUSZEM PRZYKŁADOWEGO ZDJĘCIA

I wreszcie, jako powtórkę, dla utrwalenia i niejako podsumowanie wcześniejszych lekcji mamy niemal 3-godzinny retusz zdjęcia, w trakcie którego jeszcze raz możemy zobaczyć praktyczne zastosowanie poznanych wcześniej metod.

PODSUMOWANIE

I tak dotarliśmy do końca, póki co, ale o tym za chwilę. Kurs na chwilę obecną kosztuje jeszcze 299 zł i moim zdaniem jest to naprawdę atrakcyjna cena jak za same akcje! Tutaj natomiast nie dość, że otrzymujemy te akcje, to jeszcze ich szczegółowe omówienie, przykłady retuszu i wiele dodatkowych tipów, co sprawia, że właściwie jest to pełnoprawny kurs Photoshopa wraz z 45 niesamowitymi akcjami. I wszystko to nadal za 299 zł!

Ale to na chwilę obecną, ponieważ… Piotr obiecuje comiesięczne aktualizacje kursu, nowe akcje i materiały video, bez dodatkowych opłat!

Obiecałem niespodziankę – proszę bardzo! Udało mi się zachęcić Piotra na dodatkowy rabat: -15% od obowiązującej ceny z kodem: WERNER15. Kod ważny jest do 15 czerwca 2020, więc warto się pośpieszyć z decyzją.

Kurs dostępny jest na stronie: kursy.piotrwerner.pl

No cóż, nie wiem czy udało mi się kogoś zachęcić, ale jeśli ktoś poważnie chce się zajmować fotografią, ta oferta jest naprawdę warta zastanowienia.


Szkolna sesja fotograficzna

Szkolna sesja fotograficzna

Szkolna sesja fotograficzna to nie lada wyzwanie! Żeby zakończyła się sukcesem, trzeba zadbać o wiele detali przed, w trakcie i po, a i tak nie ma gwarancji, że wszystko się na pewno uda. Postaram się opowiedzieć jak ten proces wyglądał w przypadku zdjęć wykonanych przeze mnie w Społecznej Szkole Podstawowej im. Lady Sue Ryder w Niepołomicach.  

PRZYGOTOWANIA

Przed rozpoczęciem zdjęć należy wszystko dobrze zaplanować i przygotować. Harmonogram, przesłany wcześniej rodzicom zakładał wykonanie zdjęć pięciu klasom dziennie przez cztery dni z rzędu, łącznie grupie ok. pięciuset dzieci. Na jedną klasę przypadało więc 45 minut, w trakcie których trzeba było zdążyć ze zdjęciami grupowymi oraz indywidualnymi. Skoro zaś mowa o indywiduanych – tu pomysł był taki aby, poza bliskimi portretami, w planie amerykańskim bądź średnim wykorzystać rekwizyty w postaci różnokolorowych atrap książek oraz ramek fotograficznych z logo szkoły.   

WYKONANIE SESJI

Sesja, choć wsparta obecnością mojej żony, która przygotowywała dzieci, była jedną wielką walką z czasem. Rekwizyty okazały się strzałem w dziesiątkę, zainteresowanie przerosło nasze oczekiwania i poza lekcjami nawet każda szkolna przerwa była wykorzystywana na zdjęcia. Muszę przyznać, że po 5-6 godzinach fotografowania w takim tempie oraz szkolnym “hałasie” na koniec dnia brakowało już trochę sił na ponowne zebranie sprzętu…. 

PO SESJI

Od samego początku miałem pomysł, aby proces zamawiania zdjęć był inny od tego, którego wcześniej sam doświadczałem jako rodzic. Otóż fotograf drukował dosłownie wszystkie zdjęcia i wręczał je dzieciom, które następnie albo za nie płaciły, albo oddawały. Nie podobał mi się ten chwyt psychologiczny, który w niekomfortowej sytuacji stawiał tych rodziców, którzy nie chcieli bądź nie mogli zdjęć zamówić i musieli poprzez dzieci je zwrócić. Ponadto jak sporo papieru marnowało się na zdjęcia, które mimo wszystko nie znalazły odbiorców. Wreszcie, na zdrowy rozsądek, jak tani (czyli o jak słabej jakości) musiał być wydruk wszystkich zdjęć, skoro i tak był opłacalny nawet przy sprzedaży ich części…

A więc mój pomysł był oparty na prezentacji wcześniej wyretuszowanych zdjęć na internetowym dysku, do którego dostęp otrzymali rodzice. Każdy mógł wcześniej obejrzeć fotografie swojego dziecka/dzieci i zdecydować czy i ewentualnie jaki wariant spośród przedstawionej wcześniej oferty wybiera, Dzięki temu nie mogło być mowy o zwrotach a każdy płacił tylko i wyłącznie za swoje zdjęcia, dzięki czemu mogły być wydrukowane na znacznie lepszym papierze. 

Poniżej kilka przykładowych zdjęć zdjęć.